Lo que hay detrás de “Magnolia/Loto” de RUFUS T. FIREFLY

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El grupo de Aranjuez Rufus T. Firefly publicó en 2017 y 2018 respectivamente y bajo el sello Lago Naranja Records sus dos últimos álbumes de estudio Magnolia y Loto que juntos forman un todo.

Este trabajo conceptual se caracteriza por ser de una riqueza musical y temática incuestionable. En él, nos encontramos con un sonido cuidado de guitarras, bajo, sintetizadores, teclados, batería y voz que arroja hermosas canciones de, podríamos decir, pop psicodélico que hablan del amor y el respeto a la naturaleza, la pérdida de un ser querido, los sentimientos oscuros, la esperanza, la amistad, el agradecimiento, el amor, lo bonito de hacer música con gente diferente o la felicidad. Además, tienen como interesantes y eclécticas fuentes de inspiración a Jeff Buckley, un bosque del Bierzo, la película de Tarantino Pulp Fiction, la serie Black Mirror, The Beatles, una exposición de Basquiat, Tame Impala, Baba O’Riley de The Who, los divulgadores científicos y creadores de la serie Cosmos Ann Druyan y Carl Sagan, las bandas sonoras de Stranger Things y Conan el Bárbaro o el videojuego Final Fantasy VII.

Por esto y porque con esta obra la formación integrada por Víctor Cabezuelo y Julia Martín-Maestro se ha afianzado dentro de la escena nacional independiente merecidamente y con identidad suponiendo un antes y un después en su carrera, he considerado de gran interés recopilar en este artículo las palabras que la banda ha ido compartiendo en sus redes sociales en los últimos meses explicando lo que hay detrás de cada una de sus canciones.

Sumerjámonos en Magnolia/Loto

 

01. TSUKAMORI

“Es el tema que elegimos para abrir ‘Magnolia’ por su simbolismo. Es una canción de amor y respeto a la naturaleza por encima de todo. Un bosque quemado del Bierzo donde jugaba de pequeño inspiró la idea de esta canción. Tsukamori es el bosque donde vive el espíritu Totoro, en la película de Hayao Miyazaki. 

Musicalmente, quisimos que la canción se armara desde una base grave de Moog y que el bajo de Miguel tuviera un papel más melódico y agudo durante todo el tema. Julia quería una batería muy recta y Manuel Cabezalí propuso acertadamente tirarla hacia el krautrock. Para la intro, que además era el principio del disco, buscábamos algo muy significativo y nos inspiramos en los arpegiadores que abren Baba O’Riley de The Who. Martí Perarnau los fue retorciendo y deconstruyendo a lo largo de toda la canción y consiguió crear esa textura tan característica. Queríamos conseguir intensidad de una manera diferente a la que estábamos acostumbrados y decidimos que las guitarras eléctricas que van armonizando el tema irían totalmente limpias, sólo les añadimos una pequeña reverb corta de muelles. Conseguimos esa intensidad en los puentes y el estribillo final con el Solina Strings y el Juno 6 que me prestó Martí. El único rift distorsionado que entra en el 3:10 rompiendo y desplazando el 4/4 lo grabó Manuel Cabezalí.”

 

02. RÍO WOLF

“Esta canción es un homenaje a Jeff Buckley, que desapareció en las aguas del Río Wolf mientras cantaba Whole Lotta Love de Led Zeppelin. Recuerdo bien que cuando la compuse, quería hacer una melodía de voz muy diferente a lo que había hecho antes. Pensaba todo el rato en Helter Skelter y cosas así, y poder contar con Rodrigo fue crucial para meter esos coros en falsete y conseguir ese rollo vintagito.

Julia tenía muy claro que su batería tenía que sonar como la de John Bonham así que Dany Richter estudió y preparó un set de grabación inspirado en las grabaciones de Led Zeppelin. Necesitábamos un bombo grande y nuestro amigo Juanma Padilla nos prestó su Grescht de 24’. Lo vaciamos, le quitamos el parche de delante, Dany colocó unos paneles reflectantes en las paredes de la sala y ahí apareció el sonido que buscábamos. Creo que en esta canción Julia hizo una de las mejores tomas de su vida. Curiosamente, sólo utilizamos un pedal de guitarra para grabar esta canción. Fue un clon del Phase90 fabricado por Jaime Olmedo. Para distorsionar las guitarras, Manuel Cabezalí puso al 10 un cabezal de Fender Bassman saltándose el altavoz, directamente a la mesa. Con eso y una Stratocaster conseguimos ese sonido tan Hendrix. En la parte central del tema, queríamos que el cielo se abriera. Manu sugirió grabar la batería 3 veces para que sonara gigante y Martí Perarnau la lleno de Strings como si no hubiera mañana. Esta era una de las canciones que nosotros veíamos como secundaria antes de grabar el disco y sin saber muy bien cómo fue ganando fuerza, decidimos sacarla como adelanto y se ha convertido en una de las más importantes de toda nuestra carrera.”

 

03. PULP FICTION

““Estoy a mil jodidas millas de estar bien.” A mi hermano Alberto Rey le encanta esa frase de Pulp Fiction. Siempre me decía que tenía que meterla en una canción. Un día, después de tocar con Zahara en Granada, llegué al hotel, puse la tele y la estaban echando. Me acordé de él y eso me llevó a otras cosas que tenía encerradas. Me puse a escribir y toda la letra salió prácticamente del tirón (algo muy raro en mí). Ahora lo veo como un acto de sinceridad conmigo mismo. Fue muy liberador.

En esta canción, todo el rato vamos alternando compases de 4/4, 3/4 y 2/4, sin ningún patrón definido. Esto es algo que siempre me ha gustado mucho. Supongo que la culpa vuelve a ser de los Beatles, como en el estribillo de “Here comes the sun” o en todo el final de “Happiness is a warm gun”. Es algo muy divertido a la hora de componer y tocar y el verdadero reto es intentar que nadie lo note. Para grabar esta canción utilizamos dos bajos distintos. Miguel siempre graba con su Baldwin de los 60’ pero en las partes cañeras necesitábamos algo con más cuerpo y Manuel Cabezalí sugirió que usara un Precisión con un Fuzz de Death by Audio y un POG. Los rift de guitarra están grabados con un RAT por línea para conseguir esa sensación de cercanía y toda la canción está envuelta de numerosos teclados: JUNO6, CS80, Mellotron de flautas, Rhodes y Minimoog. A lo largo de la canción va apareciendo y desapareciendo una 808 que acompaña a la batería. Para el final de la canción, Julia grabó tres veces el patrón de batería que Manu trató de maneras diferentes para conseguir ese efecto flipante.”

 

04. ESPECTRO

“Esta canción habla de la pérdida de un ser querido y de cómo, a veces, vuelve a aparecer en forma de canción, olor o como en este caso, de sueño. Cuando ocurre, no deja una sensación de desolación o nostalgia, más bien todo lo contrario. Es como si volviera un momento para decirte que todo está bien. Esta es una de mis canciones favoritas de Rufus, sencillamente porque creo que es una de las que más cerca me he quedado de expresar justamente lo que quería. 

Dividimos la grabación de la batería en dos partes. La primera muy seca y directa, matada con trapos y la segunda, después del parón, abierta y tirando de room. Usamos una Ludwig de los 60 que nos prestó Ekain Elorza y de la que Julia se enamoró fuertemente. Esta canción solo tiene dos pequeños pasajes de guitarras. Un ebow de Charly que entra en el 2:54 y unas guitarras en reverse que entran en la segunda estrofa. Esas últimas, las grabé en casa cuando hice la demo con un Time Line y no sé ni cómo me salieron. Intentamos reproducirlo en el estudio pero fue imposible, así que se quedaron las de la demo. En la parte del medio, volvemos a romper el compás como pasaba en Pulp Fiction. Aquí vamos jugando, añadiendo uno, dos o tres tiempos a la frase principal y varía un poco en cada vuelta. Todos los teclados de esta canción son instrumentos virtuales del Logic tratados. Grabamos un Rhodes de verdad para la parte del medio pero al final nos quedamos con el de plugin en la mezcla porque nos gustaba más. A veces pasa.”

 

05. CISNE NEGRO

“Creo que una de las razones por las que hago música es porque me ayuda a intentar ser mejor persona. Coger sentimientos oscuros y transformarlos en canciones es una buena manera de enfrentarte contigo mismo y dejar de cargar toda esa mierda negativa contra los demás. Escucho ahora Cisne Negro, pienso en todo lo que me movió a hacer esta canción y me alegro mucho de haber transformado todo aquello que ya ni siquiera siento en algo así.

Esta canción está construida sobre un bombo de 808 y varios loops de batería de Julia que entran y salen durante toda la canción por la izquierda y la derecha combinándose con la batería principal que entra en el 1:33. En esta canción, Jul usó dos cajas para hacer el ritmo, una Gretsch de Carlos Pinto y una Craviotto de Dany Richter afinada muy aguda. A nivel melódico, hay un Rhodes y un Moog en anacrusa que van llevando toda la armonía, dejando al bajo de Miguel hueco por arriba para volar todo el rato. Manuel Cabezalí metió una guitarra a lo Knight Driver memorable en las estrofas y Charly la llenó de efectos con un H9. Hay un efecto del bajo muy chulo al final de la canción que parece un slapback echo, pero en realidad es la misma pista de bajo duplicada y desplazada unos ms hacia detrás. Me gusta especialmente cómo nos quedó la parte en la que digo lo de “Él está creando el peligro del que te protege”, con esos arpegiadores y esas guitarras armonizadas por línea. Era una frase importante y queríamos que esa importancia se reflejara también a nivel musical y hacer una parte específica solo para eso.”

 

06. ••O••

“El título de esta canción es la representación gráfica de Júpiter con sus cuatro lunas alineadas. Yo andaba triste y bastante perdido cuando empecé a escribir este disco. Era un momento de ruptura forzosa con el pasado que yo no pedí. Había un mundo fuera pero yo ni me quería asomar. Entonces Iris Banegas me llevó a ver una exposición de Basquiat al Guggenheim. La exposición se llamaba “Ahora es el momento”, y después de eso la vida dio un giro inesperado.

La verdad es que la canción (como casi todo el disco) fluye sola por el groove increíble de Julia y Mike. El resto simplemente nos dedicamos a ir metiendo detallitos. La voz pasó por muchas fases. Llegué a hacer tres melodías con tres letras totalmente distintas. Empezó siendo muy melódica pero quería desahogarme, decir más cosas y finalmente tiré por ese fraseo. Está grabada tres veces y colocada en el centro, izquierda y derecha. Para mí, todo lo que pasa entre el 1:20 y el 2:30 es uno de los mejores momentos del disco. El sinte que hace el dibujo principal es un Moog Prodigy armonizado. Charly y yo teníamos una máxima en este disco y era no meter una sola guitarra rítmica. En Magnolia y Loto no hay acordes de guitarra, todo son arpegios y riffs. Cuando queríamos dar sensación de acorde, como en esta parte, grabábamos cada nota de la guitarra por separado, en pistas diferentes. Toda la parte instrumental final, era mucho más simple y suave, fue Martí Perarnau el que la enriqueció con arpegiadores, mellotrones y Junos.”

 

07. ÚLTIMA NOCHE EN LA TIERRA

“Tengo mucho cariño a esta canción porque fue la primera que compusimos después de Nueve. Tenía muchas imágenes en mi cabeza y quería que la gente que la escuchase pudiera de alguna manera visualizar todo aquello, como cuando eras un niño y te contaban un cuento. No escuchabas palabras, directamente veías en tu cabeza todo lo que te estaban contando. Esa era la sensación que buscaba.

El estribillo sólo tenía tres acordes en un principio y era todo bastante menor y de bajona. Fue nuestro luthier, Luis Cebey, después de llamarme tristón, el que sugirió esa armonía mayor y realmente le dio la vida. Toda la canción está arropada por unos arpegios en limpio y comprimitos de mi SG en la izquierda y armonizada con la Starcaster de Charly por la derecha. No nos terminaba de llenar el sonido así que volvimos a dibujar esos mismos arpegios con un minimoog y se los sumamos, aunque esto creo que sólo se aprecia con cascos.  A nivel rítmico, es un poco curiosa porque todos los instrumentos vamos en 6/8 salvo la batería, que va en 4/4 y se cuadra cada 6 tiempos. La primera parte se grabó con una Roland electrónica y el Addictive Drums. La batería acústica la sustituye en el 2:05. Fue bastante increíble ver a Julia grabar todo el final. Sólo hizo una toma y se quedó. Hubo ovación. Martí Perarnau cogió mi voz y la sampleó haciendo esas cosas flipantes que oís en las estrofas. El final no quedaba demasiado “fin del mundo”, así que Manuel Cabezalí se grabó esa última guitarra que va subiendo con un slide para llegar justo a donde queríamos.”

 

08. EL HALCÓN MILENARIO

“Esta es una canción de amistad y agradecimiento. Pensaba y pienso, en lo bonito que es poder contar con amigos que están dispuestos a dejar su tiempo y su amor en el viaje que emprendió esta banda en el 2006. En los que están y en los que estuvieron, porque cada persona que se sube a esta nave tiene su propio asiento y nunca será ocupado. Yo sé que a veces puede parecer sólo chatarra espacial y da la sensación de que se va a caer a pedazos todo el rato, pero también sé que cuando somos una piña llevándola, es una de las más rápidas de toda la galaxia. 

Nos gustaba mucho la idea de que el riff principal que va llevando toda la canción lo hiciera el bajo, combinándolo con la base. En toda la canción Miguel va activando y desactivando un octavador para darle protagonismo en algunos momentos, como en el 0:48 o la parte instrumental del 2:28. El solo Van Halen increíble de esa parte es de Manuel Cabezalí y después completamos la armonía Charly y yo por la izquierda y la derecha con más fuzz por línea y phaser bien profundo. Todos los teclados de esta canción los grabé en casa para la demo y se quedaron. Julia me dejó un Dx7 y un Casio cz5000, y con eso y unos samples de Hollowsun hice todo lo que suena. Aquí hicimos un Frankenstein de batería con el bombo de Juanma Padilla, los toms de Ekain Elorza y la caja de Carlos Pinto y en el 2:20 nos creímos un poco Dave Friedman y la retorcimos bastante con delays, reverse y todo lo que pillamos.”

 

09. NEBULOSA JADE

“Esta es una canción de amor. Hay un capítulo de los Simpsons en el que Homer le dice a Marge después de ver El retorno del Jedi: “Eres tan guapa como Leia y tan lista como Yoda”. Le está abriendo su corazón. Está intentando explicarle un sentimiento inexplicable como buenamente puede. Es lo mismo que hice yo aquí. El nombre de la canción es el título de una de mis fotografías favoritas de Iris Banegas.

La verdad es que esta canción tenía un pie fuera antes de grabar el disco. Aún no tenía letra y la demo jugaba un poco al límite, pero según fueron grabando sus partes el resto, empezó a cobrar una magia extraña. Nos descolocaba un poco porque nunca habíamos hecho algo así, pero a la vez había algo que nos emocionaba y nos hacía reír todo el rato. Hay un La Mayor en el 3:06 que cada vez que lo escucho me da la vida. Fue idea de Manuel Cabezali. El bajo de Mike me parece memorable. Me encanta que en los conciertos la gente lo cante, pocos grupos pueden presumir de que el público cante sus líneas de bajo. Todas las voces de Magnolia y Loto las grabé en casa de mis padres, en la habitación donde crecí, con un sm7b y un previo de GoldenAge. Cuando le pasé a Manu los proyectos con la voz grabada me dijo: “Ahora esta canción tiene todo el sentido del mundo” y eso me hizo muy feliz.”

 

10. MAGNOLIA

“Qué bonito que esta canción apareciera. Fue de las últimas realmente, pero dio sentido a todo. Creo que es una de nuestras mejores canciones y que representa todo lo que queríamos expresar en esta etapa. 

Al principio eran dos canciones diferentes, pero un día, escuchando las demos en plan random, me sonaron seguidas y me pareció que quedaban increíbles juntas, así que con un pequeño cambio de tono esas dos ideas se transformaron en una. La canción empieza con la pista de batería en reverse (gracias otra vez, queridos Beatles) que se mezcla con la real y durante toda la canción va entrando y saliendo. Esta es la canción del disco que menos teclados lleva. Sólo un piano del Addictive Keys, un Juno suave y unos Strings de Hollow Sun al final. Me mola mucho cómo vamos hablando Charly y yo todo el rato con las guitarras, y tengo que volver a destacar en esta canción el curro de Mike. Creo que todos los alumnos de bajo deberían estudiar esta línea. La verdad es que escucho lo que hicimos entre todos en los últimos 4 minutos y sólo puedo dar gracias a la vida por dejarme hacer música con gente tan increíble.”

 

11. DRUYAN & SAGAN

“Como ya hemos explicado alguna vez, esta canción está dedicada a Ann Druyan y Carl Sagan, divulgadores científicos y creadores de la serie Cosmos. Coincidir en el espacio-tiempo hizo posible que se enamoraran y que de ese amor surgiera la idea de crear esa serie y abrirnos a todos las puertas de un mundo maravilloso. Esta historia y una carta que Ann publicó cuando murió su marido nos emocionó mucho. Queríamos crear musicalmente la sensación de un viaje espacial, desde el despegue hasta que la nave se quedase flotando en el espacio. 

La canción frenaba en la mitad de una manera más progresiva, y fue Rodrigo Cominero el que sugirió pegar las partes y que cambiara bruscamente. Cortamos todas las pistas para generar esa sensación de cambio repentino. Aquí por primera vez pude conseguir un Philicorda de verdad, en lugar de tirar de plugins y lo cierto es que una vez que lo tocas, te das cuenta de que estos cacharros tienen algo difícil de emular. Martí Perarnau metió un arpegiador muy loco con un Moog Sub37 en el inicio y las estrofas y creó ese ambiente final rasgando y sampleando las cuerdas de un piano de Brian Hunt y metiéndole mil movidas.”

 

12. DEMOGORGON

“Pues la verdad es que me gusta mucho Stranger Things pero sobre todo me flipa su banda sonora. En la gira de Magnolia un día pensamos que molaría hacer una canción de ese rollo y aproveché todo ese contexto para hablar de algunos amigos a los que quiero mucho pero que ahora andan por el Upside Down.

Musicalmente lo que hice fue directamente imitar el arpegiador principal con un Juno. Después empecé a romperlo y a meterle otras armonías. Según lo rompía me pedía romperlo más y más, y jugar con el tiempo de una manera muy libre, como en Pulp Fiction o Espectro pero llevado al extremo. Entonces se lo enseñé a Jul y volvió a hacer un curro increíble con la batería. No tengo ni idea de lo que hace rítmicamente. Es una locura. Simplemente nos lo hemos aprendido y la seguimos. Recuerdo a Mike sufriendo bastante grabando este bajo y no me extraña. Como me partí un dedo en un concierto en Palencia la semana antes de la grabación, todas las guitarras de Loto las grabaron entre Manuel Cabezalí y Charly. Hay alguna que se quedó de la demo, como el punteo final en el 3:42 porque nos molaba el sonido. Usé mi pedal favorito, que se llama Rufus. Realmente lo compre por el nombre y luego resultó ser un Fuzz increíble. Por cierto, mientras grababa la voz de la demo, Fújur vino a decirme algo y se coló por el micro. Lo podéis oír al principio de la canción.”

 

13. LOTO

“Toda esta segunda parte fue una consecuencia de los directos de Magnolia. Cuando tocábamos el disco en directo nos faltaba algo, queríamos volar un poco más todo el rato y eso fue lo que nos llevó a hacer Loto. Todo parte de una misma esencia pero Loto es más libre y caótico que Magnolia. Justo lo que necesitábamos.

Quisimos grabarlo de la misma manera que Magnolia pero por disponibilidad, sólo pudimos grabar con Dany Richter las baterías. Completamos el resto en el Invernadero con Brian Hunt. Es curioso porque la primera maqueta de esta canción es del 2014, de antes de sacar Nueve. Es como si hubiera estado esperando su momento. Antes no tenía ningún sentido y de repente fue el centro de todo. La letra me costó mucho, hice 3 o 4 con diferentes melodías hasta que me quedé a gusto. Ro y yo quisimos que la voz fuera armonizada prácticamente todo el tema para darle un toque más sesentero. Para los teclados tiramos de los Arturia. Charly grabó con una Danelectro de 12 cuerdas para intentar acercarse a un sitar. Mike hizo un bajo muy McCartney y Jul una batería para cabalgar. Cuando le enseñé la canción a Emilio Zanón me dijo: “tío es muy Conan”. No se refería a Connan Mockasin, se refería a Conan el Bárbaro y tenía razón. Se habla mucho de la influencia de Tame Impala en nuestra música y muy poco de la banda sonora de Conan, que es muchísimo más evidente.”

 

14. CRISTAL OSCURO

“Esta canción fue realmente un experimento y está muy ligada a San Junipero. Cuando grabamos San Junipero, Martí Perarnau se puso a samplear guitarras, pianos y grabó un hammond muy loco. Consiguió crear unas texturas tan chulas que parecía otra canción y en el proceso final de mezcla pensé que en realidad sería buena idea hacer dos canciones. Así que en el último momento cogí las pistas de batería y bajo y empecé a jugar con ellas juntándolas con los samplers que había hecho Martí. Se me ocurrió samplear partes del Tomorrow Never Knows de los Beatles y añadirlas también, busqué bancos de percusiones hindúes, grabé unos mellotrones y le metí esa frase de voz al final de la canción. Todo lo hice en una mañana, por la tarde ya estaba Hay Zeelen masterizándola. No sabía muy bien ni lo que había hecho y fue muy curioso, porque cuando quise volver a abrir esa sesión de mezcla, no la encontré por ninguna parte. Había desparecido y era como si lo hubiera soñado. Busqué en todos mis discos duros y me bajé una aplicación de recuperación de datos, pero nada. Me jodió mucho perderla, sobre todo para poder ver cómo la hice, pero ahora entiendo que no podía haber sido de otra forma.”

 

15. SAN JUNIPERO

“Esta canción tiene una historia detrás que tiene que ver con lo bonito que es poder hacer música con gente muy diferente. Un día, hablaba con Marta Brandariz de lo chulo que es ese capítulo de Black Mirror y dijimos que teníamos que hacer una canción sobre él. Ella puso su visión con su banda The low flying en su último EP y nosotros aquí.

La idea inicial surgió una tarde en la que Jul y yo quedamos con los chicos de Ambre para hacer un poco de ruido en el local. Grabé algunas cosas con el móvil de lo que pasó allí y una de ellas fue el dibujo con el que empieza esta canción. Queríamos que tuviera un desarrollo muy libre y pensamos que sería guay que Julián Maeso y Martí Perarnau, que para nosotros son los mejores teclistas de este lado, cogieran la canción e hicieran lo que quisieran con ella. La idea de Martí derivó en Cristal Oscuro y la de Julián en todo ese viaje de Hammond que podéis escuchar a partir del 1:48. Cuando le enseñé esta canción a Iris Banegas se puso a llorar y me dijo que era lo más bonito que habíamos hecho nunca y yo recuerdo ese momento justo en el que me lo estaba diciendo, como uno de los más valiosos de toda mi carrera musical. Grabando el estribillo nos reímos mucho en el estudio porque nos dimos cuenta de que puedes cantar encima “Never gonna give you up” de Rick Astley y queda que te cagas.”

 

16. LUCY IN THE SKY WITH DIAMONDS

“En el 2017, Julio Ruiz Llorente nos invitó a Disco grande y nos pidió hacer una versión del Sgt. Peppers de los Beatles con motivo de su 50 aniversario. Hicimos Lucy in the Sky With Diamonds en plan minimalista, sólo con un teclado y una SPD. Nos dijo que le había gustado mucho y que teníamos que grabarla. Empezamos a tocarla en algún concierto ya con banda entera y nos parecía que quedaba muy bien con nuestro set, así que cuando decidimos grabar Loto, tuvimos claro que este homenaje tenía que ser incluido. 

Hacer una versión de los Beatles es muy difícil porque son canciones tan bien hechas que cualquier cambio las empeorará seguro, así que aquí el reto era llevárnosla a nuestro terreno intentando empeorarla lo menos posible. Lo más significativo es que cambiamos el 3/4 que ellos usaban en las estrofas a un 4/4 y adaptamos la rítmica del dibujo principal. La armonía es exacta a la de los Beatles. Mike muy fan de McCartney e intentó ser muy fiel a lo que él hacía. En la parte final quisimos volar libres y se nos ocurrió esa melodía con la frase “the girl with kaleidoscope eyes” y Manuel Cabezalí añadió un punteo con slide muy guapo. Me emociona mucho cuando tocamos la canción y llegamos a esa parte, es como si les estuviéramos dando un abrazo, de alguna manera.

Era un poco irrespetuoso hacer esto con la canción, pero pensándolo bien, yo creo que a Lennon le hubiera molado esta parte y si no, pues ya me lo echará en cara cuando estemos todos dentro del agujero negro.”

 

17. UN BREVE E INSIGNIFICANTE MOMENTO EN LA BREVE E INSIGNIFICANTE HISTORIA DE LA HUMANIDAD

“Hay una cosa de la que me he dado cuenta y es que la felicidad sólo puede aparecer cuando no la estás buscando y además nunca será un momento espectacular. Igual te pilla volviendo del curro en coche con una puesta de sol bonita o cambiándole las cuerdas a la guitarra. Eso sí, yo estoy seguro de que antes de morirme, me van a venir imágenes de los 10 segundos de los que habla esta canción.

Si la escucháis con cascos, os daréis cuenta de que en las estrofas, la batería suena por la izquierda y la derecha, en el centro sólo está el bajo y la voz, pero en los estribillos pasa completamente al centro. Para mí, esta canción tiene el mejor bajo de los dos discos, realmente creo que canta él y yo le acompaño con la voz. Me apetecía hacer un estribillo de nueve tiempos. Ya sabéis que ese número es mágico. La guitarra funk sexy que lleva las estrofas la grabó Manuel Cabezalí y el dibujo principal del teclado está grabado con un Casiotone, un Chorus de diamond y un Big Sky.”

 

18. FINAL FANTASY

“No sé si se puede salvar el mundo desde Aranjuez. Pero se puede compartir amor, desde aquí y desde cualquier parte del mundo, eso lo tengo claro. He visto vuestras caras en los conciertos y he leído todos los mensajes que nos habéis mandado desde el primer día. Kiko Veneno decía hace un rato que como artista, si puedes transmitir alegría tienes la obligación de hacerlo y yo no puedo estar más de acuerdo. Es lo único que hemos intentado hacer con estas canciones, concentrar la alegría que la música nos dio a lo largo de nuestras vidas y volver a soltarla en forma de nuevas canciones. Y nos habéis dado la razón, no podemos pedir más.

En cuanto a este último tema del disco, sólo voy a decir que si nunca habéis jugado al Final Fantasy VII, lo hagáis.”

Juan Ramón Martínez

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